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nos invités

 

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Joi T. Arcand est un artiste de la nation crie de Muskeg Lake, en Saskatchewan, territoire du Traité no 6, qui réside actuellement à Ottawa, en Ontario. Elle a obtenu son baccalauréat en beaux-arts avec grande distinction de l'Université de la Saskatchewan en 2005. Ses expositions personnelles récentes incluent ODD Gallery (Dawson City, Yukon); Mendel Art Gallery (Saskatoon); Wanuskewin Heritage Park (Saskatoon); Dunlop Art Gallery (Regina); Galerie 101 (Ottawa). Son travail a été exposé dans de nombreuses expositions collectives, notamment à la Winnipeg Art Gallery; La galerie d'art Karsh-Masson (Ottawa); McMaster Museum of Art (Hamilton, ON); Le Centre pour l'artisanat, la créativité et le design (Asheville, Caroline du Nord); Woodland School à la SBC Gallery of Contemporary Art (Montréal); Galerie d'art d'Ottawa; PAVED Arts (Saskatoon); et Grunt gallery (Vancouver). Arcand a été artiste en résidence à Wanuskewin Heritage Park (Saskatoon); Université OCAD; Plug-In Institut d'Art Contemporain; le Centre des arts et de la créativité de Banff; et l'Institut d'art et de culture Klondike (Dawson City, Yukon). Elle a été présidente du conseil d'administration de PAVED Arts à Saskatoon et a été cofondatrice de la Red Shift Gallery, une galerie d'art autochtone contemporaine à Saskatoon. Elle a été fondatrice et éditrice du magazine d'art autochtone kimiwan (2012-2014) et, plus récemment, du Language of Puncture à la galerie 101 (Ottawa).

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Jason Baerg est membre de la nation Metis de l’Ontario, il est conservateur, éducateur et artiste en arts visuels. Ses projets en tant que conservateur en 2017 comprennent des expositions pour la Nuit Blanche de Toronto et l'Université de Toronto. Baerg est diplômé de l'Université Concordia avec un baccalauréat en beaux-arts et une maîtrise en beaux-arts de l'Université Rutgers. Il enseigne actuellement en tant que professeur adjoint en pratiques autochtones en peinture contemporaine et en arts médiatiques à l'Université OCAD. Il est engagé au développement communautaire, il a fondé et incorporé le Metis Artist Collective et a été président bénévole pour des organismes tels que le Aboriginal Curatorial Collective et la Coalition nationale des arts médiatiques autochtones (NIMAC). Créatif, en tant qu'artiste en arts visuels, il repousse les frontières des interventions numériques dans le dessin, la peinture et l'installation de nouveaux médias. Ses récentes expositions internationales en solo comprennent le Illuminato Festival à Toronto, au Canada, l'Institut Royal de Technologie de Melbourne en Australie et le Digital Dome à l'Institut des Arts indiens d'Amérique à Santa Fe, au Nouveau-Mexique. Jason Baerg a arbitré de nombreux jurys d'arts et a remporté des prix par l'intermédiaire du Conseil des arts du Canada, le Conseil des arts de l'Ontario et le Toronto Arts Council. Pour plus d'informations sur son travail, visitez Jasonbaerg.com.

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Marjorie Beaucage est une agente de changement, tant dans sa propre vie que dans la vie de ceux qui l'entourent. À 70 ans, elle est allée au Nouveau-Mexique pour travailler à ses mémoires et écrire des textes de vie. Pendant son séjour, elle expérimenta avec Circus Arts et Spoken Word de nouvelles formes de partage d’histoires de vie.
 
Au début des années 1990, Marjorie Beaucage est cofondatrice de l'Aboriginal Film and Video Art Alliance. En tant que «coureuse», elle a travaillé comme ambassadrice culturelle pour négocier des alliances autogérées avec le Centre des Arts de Banff, V-Tape, le Conseil des Arts du Canada et le Conseil des Arts de la Saskatchewan. Beaucage est toujours en train de défier le statu quo pour faire place à différentes manières d'être ... en préconisant des espaces pour que les peuples autochtones aient leur propre voix, soient visibles dans les médias et explorent les traditions de contes contemporains.

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Meagan Byrne est une artiste métis (Swampy Cree / Terre-Neuve) née et élevée à Hamilton, en Ontario. Elle crée des œuvres interactives numériques depuis 2014 et est fortement influencée à la fois par les jeux vidéo RPG traditionnels et l'art Woodland Style, ainsi que par toutes les histoires qu'elle a entendues. Ses créations intègrent le récit, la mécanique du jeu, le son et l'art traditionnel et sont profondément enracinées dans les futurismes indigènes, le langage et la théorie féministe indigène. Elle voit son travail comme une lutte constante pour naviguer dans les complexités de l'identité autochtone au sein d'un système profondément colonisé. Meagan utilise son travail pour explorer les questions d'appartenance culturelle, l'indigénisation des médias et l'avenir de la langue et de la culture autochtone.

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Amy Fung est une écrivaine, chercheuse et conservatrice née à Kowloon, Hong Kong, actuellement basée à Toronto, Canada. Elle a reçu sa maîtrise en anglais et en études cinématographiques de l'Université de l'Alberta en 2009 avec une spécialisation en critique, poétique et image en mouvement. Ses écrits peuvent être trouvés dans des publications imprimées et en ligne comme Art canadien, Art Papers, C Magazine et Frieze, parmi beaucoup d'autres depuis 2002. Plus récemment, Fung a occupé le poste de directrice artistique de IMAGESFestival, Toronto entre 2015 - 2017. Elle est co-fondateur de MICE Magazine et a siégé à de nombreux conseils et jurys à travers le pays. Elle écrit actuellement son premier livre sur l'art canadien à paraître en 2018.

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Jean-Sébastien (J.-S.) Gauthier (Licence en beaux-arts, université Concordia, sculpture, 2009) est un sculpteur fransaskois et un artiste des nouveaux médias qui est adepte de l'investigation et de l'expérimentation pour créer des œuvres d'art basées sur le temps. J.-S. Gauthier considère la collaboration et l'expérimentation comme la clé de son processus créatif. Il cherche activement la collaboration, accueillant l'imprévisibilité de son aboutissement et les résultats uniques. Son travail consiste en un mélange d'approches techniques et conceptuelles de la sculpture traditionnelle jusqu’à des technologies d'imagerie scientifique, en passant par de la production vidéo, l'art des spectacles, et le rendu 3D. En 2017, J.-S. Gauthier est devenu le premier artiste canadien à obtenir du temps de faisceau synchrotron pour de l'expérimentation artistique au Centre canadien de rayonnement synchrotron. Il poursuit cette veine de recherche avec son projet actuel All Formes at All Times/Toutes formes en tout temps, qui cherche à explorer et décrire la mutabilité des êtres vivants à l'aide de technologies immersives.

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Jaimie Isaac est conservatrice de l'art autochtone contemporain à la galerie d’art de Winnipeg. Isaac détient une maîtrise en arts de l'université de la Colombie-Britannique axée sur la décolonisation et l'indigénisation de la pratique curatoriale, une licence en histoire de l'art et un certificat en gestion artistique et culturelle de l'université de Winnipeg. Parmi les expositions récentes, mentionnons Vernon Ah Kee: cantchant, Boarder X, We Are On Treaty Land, et Quiyuktchigaewin; Making Good, Insurgence Resurgence (la biennale autochtone nationale inaugurale de la galerie d’art de Winnipeg), co-organisée avec  Dr. Julie Nagam à la galerie d’art de Winnipeg. Jaimie Isaac a cofondé le Collectif des éphémères (The Ephemerals Collective) qui a été sélectionné pour la récompense artistique du Sobey Art Award 2017. Ses essais publiés apparaissent dans : Close Encounters: The Next 500 Years, The Land We Are Now: Writers and Artists Unsettle the Politics of Reconciliation et dans le journal Public 54 - Indigenous Art: New Media and the Digital. Jaimie Isaac était membre de la faculté pour la Wood Land School à l'Institut d'été « Plug In » et a été conférencière invitée dans  diverses universités. Elle a présenté ses recherches en Amérique du Nord et en Europe, notamment à l'université de Princeton, à l'université royale Holloway de Londres et à la conférence NAISA à l'université d'Hawaii à Manoa. Jaimie Isaac faisait partie de la délégation autochtone du Conseil des arts du Canada à la biennale de Venise en 2017. Elle fait du bénévolat pour le magazine Border Crossings et siège aux comités consultatifs du musée du Manitoba et de la galerie d’art de Winnipeg.

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Kite alias Suzanne Kite est une artiste performeuse, plasticienne et compositrice d'Oglala Lakota élevée en Californie du Sud, elle a obtenu un BFA de CalArts en composition musicale, un MFA de la Milton Avery Graduate School du Bard College, et un doctorat l'Université Concordia. Ses recherches portent sur les mythologies et les épistémologies contemporaines des Lakota et étudient la multiplicité des mythologies existant constamment dans la narration contemporaine des Lakota à travers la recherche-création, les médias computationnels et la pratique de la performance. Récemment, Kite a développé une interface corporelle pour des performances de mouvement, des sculptures en fibre de carbone, des installations vidéo et audio immersives, ainsi que la co-exploitation de l'empreinte électronique expérimentale,
Unheard Records.

 

 

Eli Hirtle est un cinéaste, perlier, plasticien et cinéaste néhiyaw (crie) / britannique / allemand dont la pratique consiste à documenter et à faire des travaux sur la résurgence culturelle et la revitalisation des langues autochtones. Ses intérêts actuels sont le mentorat, l'enseignement et le soutien aux jeunes autochtones pour qu'ils puissent s'exprimer de façon créative et apprendre à parler sa langue ancestrale de Nehiyawewin. Né et élevé sur le territoire de Lekwungen (Victoria, C.-B.), Eli est actuellement inscrit au programme de soutien aux familles autochtones au Collège Camosun.

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Gabrielle Hughes est membre de la nation Wampanoag. Elle a grandi à Terre-Neuve, où elle entretenait des liens étroits avec la nation Mi'kmaq, pour qui elle est porteuse de tambour. Gabrielle termine actuellement son doctorat en philosophie (PhD) à l'Université d'Oxford sur les jeux vidéo autochtones en tant que sites de résistance et en tant qu'opportunités pour la protection des connaissances traditionnelles.

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Tasha Hubbard est écrivaine, cinéaste et professeure adjointe à l'Université de la Saskatchewan (bientôt l'Université de l'Alberta). Son premier film Two Worlds Colliding a remporté le prix du Canada aux Geminis 2005. Elle a également récemment réalisé un documentaire intitulé Birth of a Family, produit par l'ONF, à propos d'une famille Scoop des années 1960 réunie pour la première fois. Elle travaille avec les Nations du Traité international de Buffalo et produit un documentaire sur la mort de Colten Boushie et vit dans les Prairies.

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Scott Hughes est directeur de Capacity Build Consulting www.capacitybuild.ca et un important praticien de la finance sociale qui aide les organisations à surmonter les défis de la gestion financière et des capitaux qui se font rares et accroître les ressources financière. L'expérience de Scott s'appuie sur une carrière de 20 ans dans la finance commerciale, dont 10 ans dans une grande coopérative de crédit communautaire (Vancity) où il a développé et dirigé le portefeuille de prêts sociaux.

Grâce à son travail, Scott a fourni une gamme de services et d'outils financiers aux entreprises publiques et privées, aux organismes de bienfaisance, aux organismes sans but lucratif, aux entreprises sociales et aux coopératives. Les bons résultats financiers ont été complétés par des réussites dans la conception et la mise en œuvre de stratégies novatrices comme une politique de prêt adaptée et des outils de littératie financière pour accroître les ressources financières des organismes sans but lucratif.

La pratique de consultation de Scott comprend des travaux de faisabilité et de planification d'entreprise pour l'acquisition de biens immobiliers, des espaces de coworking et des améliorations opérationnelles. Des recherches récentes sur le concept des obligations communautaires émises par des organisations basées sur les missions ont mis à profit son expérience pratique dans les modèles de financement à but non lucratif. Sa capacité à développer des modèles financiers sur mesure pour le secteur à but non lucratif aide à la prévision et à l'analyse efficace. Scott travaille directement avec des organisations pour diversifier l'accès au capital et accroître la capacité de gestion financière et commerciale.

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Victoria Inglis appartient au peuple Dënesułįne et Nîhithaw du lac Reindeer sur l’île de Northern Turtle. Iel explore l'écriture, les arts visuels et l'activisme à travers un prisme poétique. Récemment, iel a terminé sa résidence pour les récits et les mots parlés autochtones au centre des arts de Banff et travaille continuellement avec le magazine Red Rising pour faire entendre les voix autochtones à l’état brut. Iel crée des histoires qui lui sont suggérées par la mémoire du sang de ses ancêtres; et raconte des récits en rimes dans la peau d'un·e jeune à deux esprits.

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Missy LeBlanc est une administratrice des arts et conservatrice des Métis, des Cris et des Polonais. LeBLanc est titulaire d'un baccalauréat en arts de l'Université de l'Alberta, spécialisé en histoire de l'art, en design, en culture visuelle et en sociologie. Elle possède un diplôme en gestion des arts et de la culture de l'Université MacEwan. Elle a récemment effectué un stage au Musée national des Amérindiens à Washington DC et est actuellement coordonnatrice de programme pour Ociciwan Contemporary Art Collective.

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Lindsay McIntyre est une artiste de cinéma originaire d'Edmonton. Elle détient un MFA en production cinématographique de Concordia à Montréal et un BFA en peinture et dessin de l'Université de l'Alberta. Sa pratique est basée sur les processus essentiellement de nature analogique et traite des thèmes du portrait, du lieu, de la forme et des histoires personnelles. Travaillant principalement avec des films 16mm et des techniques expérimentales, faites à la main et documentaires, elle fabrique également son propre film de 16mm enduit à la main avec une émulsion de gélatine d'argent. Intéressée simultanément par l'appareil du cinéma, du portrait, de la représentation et des histoires personnelles, elle comble les lacunes de l'expérience collective et reste attachée à l'intégration de la théorie et de la pratique, de la forme et du contenu.

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Travis Mercredi est  concepteur sonore, un producteur et un musicien de la Nation métisse des Territoires du Nord-Ouest qui travaille dans les domaines de la radio, du théâtre, du cinéma et des jeux. Il réside actuellement à Montréal où il étend sa pratique du design sonore aux médias interactifs au programme Computation Arts de l'Université Concordia.

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Julie Nagam (Mětis - Anishinaabe / français, allemand / syrien) est présidente de the History of Indigenous Art in North America, une nomination conjointe entre l'Université de Winnipeg et la Winnipeg Art Gallery. Elle est professeure agrégée à la faculté d'histoire. Elle a récemment publié Traveling soles: Tracing the footprints of our stolen sisters (2017); Deciphering the refusal of the digital and binary codes of sovereignty/ self-determination and civilized/savage (2016); be polite.... because the settlers might be listening and watching (2016). Ses projets actuels financés par le CRSH comprennent The Transactive Memory Keepers: Indigenous Public Engagement in Digital and New Media Labs and Exhibition (www.glamcollective.ca).

Nagam a organisé The Future is Indigenous (http://abtec.org/iif/symposia/3rd-annual-symposium/) et des échanges internationaux entre l'Australie, le Canada, Aotearoa (Nouvelle-Zélande) et la Finlande. Elle est corédactrice d'Indigenous Art: New Media et Digital, un numéro spécial de PUBLIC journal. Elle a été commissaire et a participé au Festival ImagineNATIVE Film + Media Arts et en 2013, elle a organisé l'installation des nouveaux médias de Lisa Rehiana à la poursuite de Vénus à la galerie A-Space à Toronto, Canada. Actuellement, M. Nagam dirige une installation d'art public pour une marche de réconciliation à Winnipeg, et dirige une équipe qui crée une application autochtone pour l'histoire de l'art, de l'architecture et du lieu à Winnipeg. Elle a co-organisé avec Jaimie Isaac INSURGENCE / RESURGENCE, la plus grande exposition contemporaine à la Winnipeg Art Gallery à l'automne 2017-18. Son œuvre où des pins blancs étaient posés au-dessus de l'eau, a été exposée à Toronto, en Ontario, à San Paulo, au Brésil, à Lyon, en France, à Wellington, en Nouvelle-Zélande. Son installation chantant nos os à la maison, a été montrée à Markham, à Londres, en Angleterre et à Winnipeg, au Manitoba. Nagam a une nouvelle œuvre d'art publique, Electrical Currents pour le Winnipeg Arts Council, a commandé un travail pour Nuit Blanche Manitowapow, parle à la lune, à Toronto, Canada automne 2017, et une nouvelle commande pour l'exposition Smithsonian Transformers à New York, USA, 2017- 18 et L'avenir est dans la terre, une exposition solo à A-Space, Toronto Canada

 

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Lindsay Nixon, d'origine Crie-Métis-Saulteaux, est conservatrice, éditrice et auteure nominée, ainsi que candidate au doctorat en Histoire de l'Art à l'Université McGill. Eille tient présentement le poste d'éditrice générale pour le magazine Canadian Art. Nixon a précédemment édité le journal indépendant d’art, critique et littérature nommé mâmawi­-âcimowak, et leurs oeuvres écrites sont apparues dans la Revue Malahat, GUTS, Mice, esse, le Trimestriel d’Art Inuit, Teen Vogue, et autres publications. Leur collection à venir de non-fiction créative nommée nîtisânak paraîtra au mois de Septembre 2018 via Metonymy Press.

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Janet Rogers est une auteure Mohawk / Tuscarora de Six Nations. Elle est née à Vancouver, en Colombie-Britannique, a vécu à Stoney Creek, à Hamilton, à Toronto, en Ontario. Elle n'a actuellement pas d'adresse fixe puisqu'elle a vécu en résidence après résidence tout au long de l'année 2018-2019. Janet utilise la poésie, la performance parlée poétique, de la poésie vidéo et de la poésie enregistrée avec de la musique. Janet est aussi une animatrice radio, productrice de documentaires, une artiste en arts médiatiques et sonore.

Ses titres littéraires comprennent; Splitting the Heart, Ekstasis Editions 2007, Red Erotic, Ojistah Publishing 2010, Unearthed, Leaf Press 2011, Peace in Duress, Talonbooks 2014, Totem Poles et Railroads, ARP Books 2016 et un prochain titre Between Spirit and Emotion, Bookland Press automne 2018. Elle produit Native Waves Radio sur CFUVfm de 2007 à 2017. Sa chronique musicale Tribal Clefs faisait partie de la programmation de CBC Victoria de 2008 à 2016. Ses documentaires radiophoniques Bring Your Drum: 50 years of Indigenous Protest Music et Resonating Reconciliation ont remporté le prix de la meilleure radio au festival ImaginaireNATIVE Film and Media en 2011 et 2013.

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Yifat Shaik est conceptrice de jeu et artiste travaillant sur la création de jeux autobiographiques et de l'art subversif. Diplômée de l'Université OCAD, elle est actuellement professeure de conception de jeux et de modélisation 3D à l'Université York. Yifat a organisé Different Games à Toronto, est co-directrice de Dame Making Games et travaille actuellement sur Real Army Simulator.

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Ariel Smith est une artiste d’origine juive et nêhiyaw, elle est cinéaste, vidéaste, conservatrice, écrivaine et travailleuse culturelle. Ayant conçu des oeuvres en arts médiatiques indépendantes depuis 2001, une grande partie de son travail a été présenté dans des festivals et des galeries au Canada et à l'étranger. Ariel est en grande partie autodidacte, mais a perfectionné plusieurs de ses compétences en s'impliquant fortement dans des centres d'artistes autogérés à Vancouver, Montréal, Toronto et Ottawa. Sa passion pour la culture artistique est devenue une partie intégrante de sa pratique.

Elle a travaillé comme directrice technique à Saw Video Media Arts Centre à Ottawa de 2006 à 2014, a été directrice de la Coalition nationale des arts médiatiques autochtones (NIMAC) de 2013 à 2016 et a été directrice exécutive du festival imagineNATIVE Film + Media Arts où elle a supervisé les éditions du festival 2016 et 2017. Ariel est actuellement directrice artistique de Native Women in the Arts (NWIA).

Ariel a travaillé comme programmatrice pour des organismes tels que le Festival international d'animation d'Ottawa, REEL CANADA et imagineNATIVE. Elle est actuellement commissaire invitée pour une exposition internationale quinquennale autochtone de 2019 au Musée des beaux-arts du Canada. Elle a écrit pour Afterimages, Tits and Sass, Kimiwan Zine, Bitch Flicks, Decolonization: Indigeneity, Education & Society, et la Galerie d'art d'Ottawa.

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Jennifer Smith est une conservatrice, écrivaine et administratrice des arts metis base à Winnipeg, au Canada. Jennifer travaille dans l'administration des arts depuis dix ans et a travaillé pour des organismes tels que le Musée du costume du Canada, le Manitoba Crafts Museum and Library, le Winnipeg Film Group et le Video Pool Media Arts Centre. Jennifer est la présidente du conseil d'administration de la Coalition canadienne des distributeurs d'art des médias indépendants. Elle a organisé des expositions et des vidéos pour le Manitoba Craft Council, le Video Pool Media Arts Centre, le Open City Cinema, le MAWA et le Manitoba Crafts Museum and Library. Jennifer sera la conservatrice autochtone en résidence à aceartinc de mars à août 2018.

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Erin Sutherland travaille comme professeure adjointe d'études culturelles et d'arts visuels à l'Université de l'Alberta. Ses recherches portent sur la pratique curatoriale autochtone, l'art de la performance autochtone canadien et l'art contemporain autochtone de façon plus générale. Elle a récemment terminé sa dissertation, qui a exploré des moments spécifiques de l'histoire des conservateurs autochtones et ses propres approches méthodologiques en matière de conservation. La dissertation basée sur le projet comprenait une série de performance organisée intitulée Talkin 'Back to Johnny Mac, qui a interféré dans les célébrations du 200e anniversaire du Premier ministre Sir John A. Macdonald. Elle travaille également en tant que conservatrice indépendante et est membre de l'Ociciwan Contemporary Art Collective, basé à Edmonton, en Alberta. Les récents projets de conservation comprennent Big'Uns de Dayna Danger, organisée à Latitude 53 à Edmonton, en Alberta, avec Ociciwan en juin 2017, et Kîhtwâm de Tiffany Shaw-Collinge à l'Université de l'Alberta Augustana (de février 2018 à aujourd'hu

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Tania Willard, dont l’héritage témoigne de Secwépemc et des colons, travaille sur le thème du contemporain et du traditionnel, travaillant souvent avec des corpus de connaissances et de compétences conceptuellement liés à son intérêt pour les intersections entre les cultures autochtones et autres. Willard a travaillé comme artiste en résidence à Gallery Gachet du Downtown East Side de Vancouver, à la résidence en arts visuels du Centre Banff, à la fiction et au Trading Post et en tant que conservatrice en résidence avec Grunt Gallery et Kamloops Art Gallery. Son travail en tant que conservatrice de Willard comprend Beat Nation: Art Hip Hop et culture autochtone (2012-2014), co-commissaire avec Kathleen Ritter, Vancouver Art Gallery (en tournée). En 2016, Willard a reçu le Prix d'excellence en conservation de l'art contemporain de la Fondation Hanatyshyn ainsi qu'un prix du livre de la ville de Vancouver pour le catalogue de l'exposition Unceded Territories: Lawrence Paul Yuxweluptun. Ses projets d'art public comprennent Rule of the Trees, un projet d'art public à la station de métro commercial Broadway de Vancouver, en Colombie-Britannique, et If the Drumming Stops, avec l'artiste Peter Morin, sur les terres de la Première Nation de Papaschase à Edmonton. Son projet collaboratif est en cours, à la galerie BUSH, une galerie conceptuelle basée sur les connaissances autochtones et les pratiques artistiques relationnelles. Willard est candidate au MAE à l'UBCO de Kelowna, en Colombie-Britannique, et ses recherches actuelles permettent de construire une esthétique des droits fonciers au moyen d'actes d'archives intuitifs.

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